harold gaze

Harold Gaze (1885 - 1962) nasceu na Nova Zelândia e estudou em Londres por volta de 1914. Após a primeira guerra mundial viveu em Melbourne, Austrália, onde ilustrou o seu primeiro livro. No início de 1920 voltou para Londres para continuar a sua carreira antes de se mudar para os EUA

csaba markus

Markus nasceu em 1953 em Budapeste, Hungria . Durante a sua infância, a sua mãe levava-o a visitar museus o que muito veio a influencia-lo no seu interesse pela arte de avant-garde e arte abstracta. Markus começou a sua carreira como escultor. Aos catorze anos, viu seus trabalhos serem apresentados na televisão pública e internacional.

Começou a trabalhar com a gravura tradicional por volta de 1979. Frequentemente usa duas ou três placas de cobre ao criar suas gravuras, e até 100 cores para imprimir serigrafias. Ele mistura técnicas de ponta seca , água tinta e de terra suave com grafite. Csaba Markus está intimamente associado à técnica do sfumato.

Sua pintura a óleo começa com uma grisaille monocromática em cinza ou sépia, como uma versão da peça acabada. Quando esta estiver seca, o Markus começa a adicionar camadas de esmaltes em cores diferentes, permitindo que cada camada seque antes de adicionar a próxima. Uma vez que as camadas são todos um pouco transparentes, o resultado é uma combinação de cores, criando uma tonalidade final, como se fosse  apenas uma mistura das cores. Sua pintura é feita com pontinhos em várias camadas, ao redor dos olhos e da boca, em cerca de 30 camadas.

carla gonçalves

Nasceu em 1967 em Angola. Licenciou-se em Arqueologia pela Faculdade de Letras do Porto em 1991.

Obteve o grau de mestre em pintura pela Faculdade de Belas Artes do Porto, em Janeiro de 2010.

vanessa chrystie

Pintora inglesa, nascida em 1972 em Londres. Vive actualmente em Lisboa.

doesjka

"Quando eu tinha cinco anos, meus pais decidiram emigrar para Portugal. Minha infância e adolescencia foram passadas na descoberta desta região fascinante. Uma terra que poderia ser descrita como um caleidoscópio de cores, cheiros, sons, calor e espontaneidade. Tudo isso tem deixado uma impressão profunda em minha vida. Essas emoções eu tentei expressar no meu trabalho. Não só as emoções, mas também os temas, tenho-os recebido neste paraíso do sul. O Cavalo Ibério tornou-se a paixão do meu coração. Quando eu ia ver um cavalo tão majestoso, foi como se o tempo parasse. Tudo se desvaneceu em torno de mim... "

"Devido a essa paixão enorme, encontrei-me com o que eu poderia colocar sobre as minhas mãos para a expressar. Eu esboçava, pintava e modelava cavalos, em blocos de anotações,  na nebelina dos vidros do carro, na lama, na neve e na areia molhada.

Quando me tornei mais consciente da vida ao trabalhar com a arte, chegou um ponto onde  comecei a perceber que havia mais vida para além de... Então, meu foco não ficou somente no cavalo.  Reconheci o Designer, o Criador do cavalo, aquele que é o Criador de toda a vida! Como eu li no Cântico dos Cânticos, um livro antigo escrito pelo rei Salomão, descobri o amor de Deus, bem como o "Deus do Amor". A bruxa também se tornou um tema para as minhas esculturas. Este livro descreve uma relação de paixão e desejo entre dois amantes. Eu posso tomar isso literalmente, e assim ver o coração de Deus, desejando uma relação íntima com a humanidade. Na tentativa de expressar a fragilidade e a intensidade dos dois amantes, eu moldo, sem tentar raciocinar, a fim de deixar a fluir a espontaneidade. A coisa mais bonita que vejo, é o que sai da minhas próprias mãos. Sempre cada vez mais... numa aventura. Fico espantada com a forma como o trabalho se desenvolve, e isso é o que mais gosto. Para mim a arte é como um eco de paixão divina e é isso que eu quero expressar. "

 

 

 

engelina zandstra

Engelina Zandstra é um artista holandês e vive em Amsterdã, Holanda.
Por muitos anos frequentou cursos de Amesterdão no domínio da pintura, gravura, serigrafia e modelagem. Nos últimos anos ela tem-se concentrado na pintura.
Suas imagens são criadas pela sua mente. Elas são a exploração de seu espírito interior. As impressões que foram armazenados na sua cabeça durante sua vida são a fonte da imaginação.
Normalmente a idéia é desenhada diretamente na tela, sem um estudo prévio. O ponto de partida são as linhas e áreas de cor, que servem como desenvolvimento inicial.
Cada pintura é como um link em seu desenvolvimento criativo, um processo pioneiro de seu estilo pessoal. Esta abordagem intuitiva faz com que o tipo de trabalho que é criado pode ser muito diferente.
Cor, composição, figuração e abstração são elementos constantes em sua obra, como parte de sua exploração espiritual.
Sua fascinação com imagens que não são possíveis ou não são representações corretas da realidade, atravessa a linguagem da arte do surrealismo. Na forma Surrealista e as cores podem ter significados diferentes.
Sua intuição artística, que começa com imagens da mente, faz uso das idéias, formas e cores e combina esses elementos numa pintura com as suas própria "escrita".
O estilo das suas pinturas pode ser melhor descrito como lírico-abstrato. Às vezes o início é abstrato e, em seguida, em algum ponto os valores humanos vêm na imagem. Como se a presença humana é necessária para mais inspiração.
Geralmente, trabalha em várias camadas finas sobre as outras. Cada camada fornece inspiração para a próxima, com novas idéias. As camadas de cores diferentes dá a profundidade de tinta acrílica e caracter. A cor é muito importante para ela: a alquimia da cor. É seu ponto de vista da atmosfera de uma pintura.
Ela chama a sua pintura "Paisagens da Mente", porque são as reproduções das imagens armazenadas em sua imaginação.
Quanto ao significado de uma obra: as suas pinturas são como a música, não há palavras necessárias para a sua interpretação.
Cada pintura narra sua própria história, e quem olha pode experimentá-lo em seu próprio caminho, pode dar seu próprio significado para ele.
Nas suas imagens ela tenta abrir uma janela num segmento da realidade, na qual os símbolos, os lugares, os sentimentos e as impressões estão resumidas. A realidade complexa, uma combinação de localização, eventos e tempo, mais uma vez construído com a utilização das suas imagens.

oleg zhivetin

Nascido na Rússia, Oleg Zhivetin pinta no sul da Califórnia desde 1990. Oleg presentea-nos com um elenco de personagens fascinantes, muitas vezes em trajes ricamente ornamentados. Galantes homens e mulheres atraentes são retratados gesticulando, reagindo ou meditando em um momento especial. Presentes de flores, poesia e pensamentos são temas recorrentes em sua obra. Composições complexas da família, amantes e amigos estão muito bem prestados em tons brilhantes de azul oceano, o coração verde e vermelho vivo. Abordagem espiritual e emocional na pintura de  Oleg vem de uma deferência permanente para os mestres do passado. Rembrandt é-lhe especialmente importante, como Michelangelo, e o colosso de Iconografia russa, Rublev. Oleg Zhivetin é hoje um dos melhores artistas da pintura na América. Seu extraordinário dom de discernimento nas relações humanas é evidente em cada pintura que ele cria.

sabzi

Nascido em Ahwaz, Irão, Sabzi começou a pintar com a idade de dozeanos; incentivado na sua inspiração precoce como um artista por seus pais e professores. Bacharel em Engenharia Agrícola da Universidade de Jundi Shapur. "A melhor parte da agricultura era a primordial pureza dos seus espaços", diz ele, explicando a sua sensibilidade precoce de conceitos artísticos.

Sabzi primeiras obras eram essencialmente realista, explorando temas históricos e culturais de sua terra natal. Sua saída do Irã durante o regime de Khomeini, trouxe para a Alemanha e os Estados Unidos. Este exílio proporcionou-lhe a oportunidade de explorar novas influências artísticas, e ele começou a trabalhar em estilos abstrato e figurativo.As pinturas de Sabzi ecoam tanto a filosofias orientiais como ocidentais. Sua rica herança persa fornece-lhe  imagens antigas, temas sentimentais persas e memórias de inocência. A influência ocidental vem da fonte do modernismo de Cézanne e Matisse.

O tema de Sabzi é quase sempre a mulher; bonita, graciosa, taciturna e lúgubre, que reflete a solidão. As mulheres da pintura de Sabzi são Madonnas, modernas deusas e santos mártires, cujas formas alongadas indicam instabilidade e conflitos internos.

Seus rostos anónimos transforman-nas em ícones religiosos que transcendem e desafiam as exigências da realidade. No entanto, outras pinturas de Sabzi refletem o calor, o encanto, a felicidade, e seu amor incontestável e admiração pelas mulheres. Normalmente o fantástico é assumido e os tecidos ricos  assumem espaço íntimo.
"Minha inspiração artística, a base da forma e da cor, vem de minhas memórias de infância de tapetes persas projetados pela minha mãe. Enquanto eu olhava para ela horas a criar padrões lindos, cores e texturas, os dedos dançando através da tear, os desenhos e as formas do meu trabalho atual tomavam forma. Meu fluxo de criatividade provem da mesma fonte de energia e criatividade que inspirou minha mãe. " - Sabzi

Sabzi reconhece nos seus quadros históricos, influências estilísticas e culturais. A luminosidade pura de espaços contrastando fortemente com o humor sombrio das suas figuras parece à primeira vista, contraditório, mas logo se revela válido e forte para o telespectador.

hu jun di

Hu Jundi Di nasceu na China na província de Jili em 1962. Aos nove anos, mudou-se com sua família, no auge da Revolução Cultural para a cidade de Chongqing, onde foi capaz de secretamente estudar pintura com um instrutor reconhecido chinês. Graduou-se em Southwest Chongqing departamento de artes da Universidade em 1984 e atualmente reside em área de Sichuan Leshan.

Hu Jundi é um dos pintores mais fascinantes do mundo. Ele é reconhecido pela sua capacidade de trazer uma sensação de serenidade e harmonia delicada. Ele dominou a fusão de escova tradicional chinesa com a profundidade incomparável da pintura a óleo. Suas pinturas brilhantemente unem a cultura oriental e ocidental com total integridade. Hu Jundi expressa os poemas em seu coração através de pintura.

Suas obras, na maioria, baseam-se aquse sempre no tema das personagens femininas com charme e beleza clássica do Oriente, que expressam a beleza feminina não contaminada. Hu Jundi busca a sua inspiração da tradição chinesa Yuan. Poesia, música e literatura clássica, suas obras muitas vezes são preenchidos com uma pitada de tristeza e mística. Embora se possa ver inicialmente vocabulários de estilo impressionista de fusão e técnica de luz-sombra, as expressões artísticas de Hu são tolhidas pela natureza reservada de sua cultura chinesa, que faz o seu trabalho mágico e sedutor. No seu trabalho, vê-se o impacto da combinação maravilhosa e troca de luz, sombra e cor, ao sentir a simplicidade e elegância do Oriente e do seu estilo refinado e livre.

ford smith

Filho de um militar da Força Aérea estacionadas num pequeno vilarejo japonês, a sensibilidade artistica de Fordtica começou a enraizar-se sob o olhar de um pintor japonês idoso, quando ele tinha apenas doze anos. Depois de se graduar na Universidade de Mississippi, com um BFA na pintura, Ford mudou-se para Atlanta, Georgia, onde manifestou um talento natural para a fotografia durante os anos 70 e 80., como fotografo comercial.

No início dos anos 90, retornou à pintura. Começou a pintar novamente sempre que sua agenda o permitia, com freqüência suficiente para satisfazer a sua mente criativa. Assim, em 2000, quando se aproximou do seu aniversário de 50 anos, entregou-se à sua paixão pela pintura, apesar do sucesso como fotógrafo superior. Acreditando que seu retorno à pintura merecia uma dedicação a 100%, Ford vendeu seu negócio de fotografia, e partiu para viajar o mundo e buscar inspiração.
Depois de explorar diferentes estilos de pintura e temas, ele entregou-se à criação de paisagens contemporâneas de horizontes deslumbrantes presenciadas durante suas viagens. Encorajado pelos críticos e com entusiasmo,  chega ao estilo distinto e radiante para o qual ele é conhecido.

pino

Pino nasceu em Bari, em 08 em 1939. Começou seus estudos 1960 na Academia de Brera de Milão, onde aperfeiçoou seu talento e habilidade para pintar nus, sob a influência do pré-rafaelitas e Macchiaioli. Pino também experimentou o expressionismo do final dos anos sessenta, durante sua estadia em Milão. De 1960-1979 a sua obra apareceu em várias exposições importantes em toda a Itália e Europa. Ao mesmo tempo, ele foi contratado por duas maiores editoras da Itália, Mondadori e Rizzoli, para ilustrações de livros. No entanto, Pino sentia-se limitado e queria mais liberdade artística, o que ele acreditava existir nos Estados Unidos.

Em 1979, emigrou para os Estados Unidos sob o patrocínio da Borghi Gallery, onde realizou vários shows em Nova York e Massachusetts. Em 1980, depois de bater em muitas portas, Zebra Books Publishers encomendou-lhe a sua  primeira capa livro. Sua interpretação era nova, fresca e sensual. Uma ilustração tão bem sucedida que ganhou a entrada em muitas relações criativas com as principais editoras de romances. Sua popularidade cresceu no seio da comunidade literária e tornou-se o artista-em-demanda para Zebra, Bantam, Simon e Schuster, Arlequim, E.U.A. Penquin e Dell. Até à data, Pino ilustrou 3.000 livros. Seu estilo dominou e influenciou o mercado.

Embora Pino se dedicasse treze anos à  ilustração de capas de livros, ele nunca abandonou o seu desejo de retornar à pintura. Nos Estados Unidos fascinou-se com as obras de Soralla, Sargent, Benson e William Merrit Chase. Em 1992, entrou em contato com uma das maiores galerias em Scottsdale, Arizona, na Galeria de Maio, e enviou cinco pinturas que foram bem recebidos. Desde então, suas pinturas têm aparecido em Morris e Whiteside Gallery, em Hilton Head e Stuart Johnson Settlers West Gallery, em Tucson. Pino foi convidado para fazer várias apresentações em grandes redes de TV e foi entrevistado em revistas nacionais e internacionais. Pino reside em New Jersey.

svetlana valueva

Valueva nasceu em Moscou em 24 de outubro de 1966 e lembra o desenho ea pintura como uma criança. Datação por sua mãe: uma pintura de um pássaro, um cão como animal, e uma rainha confirma Valueva idade de até 18 meses. Seu pai, um artista, reconhecendo o seu talento se tornou seu professor de primeiro e mais importante, encorajá-la a pintar ao lado dele em seu estúdio. Aos 5 Valueva começou a escrever poemas e histórias que expressam os sentimentos dos personagens que ela desenhou. Esta arte infância tesouro faz parte da coleção de seus pais "privado".

Treze anos de currículo estruturado estado ensinado por tanto a escola acadêmica e instituto estabelecido arte Valueva e habilidades em desenho "realismo social". Aprovado na escola de arte em 6 anos de idade, começou a treinar Valueva formal, dois anos depois, participa na local, nacional e internacional de exposições juried. Aos 8, ela entrou em uma exposição internacional de Cuba, recebendo uma medalha de ouro e 10 libras. do açúcar cubano. Em 1975, 9, ela recebeu o Gran Prix na Exposição Internacional anual em Nova Deli, na Índia. Esta exposição juried de pinturas de crianças, criada em 1952, cresceu para 150 mil crianças de 35 países exibem trabalhos em 1975. Em 1977 recebeu Valueva terceiro lugar, e novamente em 1979, ela ganhou o ouro (Gran Prix) para este prestigioso evento.

1977 foi um ano memorável. Um documentário sobre empreendedores de destaque na arte, com Valueva, foi mostrado em cinemas em toda a Rússia. No mesmo ano ela foi destaque na capa de uma revista mensal "União Soviética". Poucos percebem a realização deste fama em sua vida, muito menos como um jovem.

Nos anos setenta, o estilo só é permitido para os artistas soviéticos permaneceram realismo social. A primeira vez Valueva abriu livros de arte (dado a ela secretamente por um amigo) com imagens de Klimt, Alfons Mucha, Sargent e Alma-Tadema ela ficou surpresa. Ela percebeu que sua paixão estava com os artistas, e não com o "realismo" aceitável. Valueva imediatamente começou a pintar um conjunto necessário de arte para a escola, e permitiu que seu verdadeiro estilo a surgir nas obras pintadas em casa. Seu pai lhe havia dado o seu estúdio, e ela viveu e trabalhou lá. Logo, um fluxo constante de pessoas interessadas em novos talentos emergentes, em vez de "arte oficial" reuniram-se para visitar o estúdio. Antes de se formar, ela começou a vender seu "trabalho" escondido aos concessionários da Bélgica, França e Polónia. Ela se tornou tão popular que o corpo docente da Academia não tinha escolha, mas para atribuir-lhe uma viagem de verão para estudar na Europa.

Valueva teve sua primeira exposição individual em uma galeria de Moscou prestígio em 1993. Influenciado por fotografias deixadas por sua bisavó, uma bailarina no Mariinsky (Kirov) Ballet Theater, e por seu bisavô, um oficial do exército do czar, os doze pinturas gerou um interesse imediato. A editora japonesa se aproximou dela sobre a produção da coleção, a compra de todas as pinturas expostas e pedir mais.

1995, trouxe uma comissão pelo teatro Bolshoi de uma coleção de balé. Convidado para ensaios pelo diretor de arte da empresa, Valueva série de pintura de quinze resultante está em exposição permanente no foyer Bolshoi, e foi usado por 2 anos, o cenário de abertura para um programa semanal de TV balé chamado "Entrada de 15".

Nostalgia para o elevado, magnífico idade de prata "da Rússia chamou-a para o passado, um período conhecido no Ocidente como Art Nouveau, Jugendstil, ou Liberty. Isto é onde os personagens das pinturas Valueva estão destinados a habitar.

mikhael e inessa garmash

Garmash nasceu na pequena cidade de Lugansk, na Ucrânia, 1969. Depois de formado, serviu no exército e conheceu sua esposa e parceira, Inessa e em 1992 começou a estudar em São Petersburgo Academia de Arte. Antes de se formar, Garmash expôs em França, em galerias em cidades como Paris, St. Etienne, Avignon, Leão e Marcel. Mr. Garmash também participou nas exposições anuais em St. Petersburg, Rússia. Além da pintura, ele também se destacou na criação de vitrais e recebeu uma medalha de honra por seu trabalho no Museu Militar Suvorov em St. Petersburg.

Inessa nasceu em 1972 em Kitaichik Lipetsk, Rússia, tem se destacado nas artes desde a infância. Praticando ballet, ginástica e música, a Sra. Garmash,  após se gradua na escola de música e da escola de balé, entrou na Escola de Belas Artes Lugansk aos quinze anos. Aos dezessete anos ela foi declarada como a melhor do ano. Hoje, o Sr. e a Sra. Garmash são considerados dois dos melhores impressionistas romântico dos nossos dias.

mariana boniffati

Nascida na cidade de Mar Del Plata,Argentina,1965, a pintora e cantora Mariana Bonifatti, veio desaguar sua arte no Brasil, onde atualmente reside. Diretamente dos “barrios” de Buenos Aires, onde viveu desde os 9 anos de idade, passaria a respirar então a música, a dança, a poesia, de um todo, a alma artística de seu povo. Sons e imagens que hoje se refletem em suas telas.

dana joyce

Artista completa, Dana Joyce começou a desenhar nos cadernos de desenho aos cinco anos. Mesmo em tenra idade os seus desenhos revelam um talento único e imenso. Nasceu em Michigan, onde o céu é cinzento e desinteressante normalmente. Aos onze anos seus pais mudaram-se para casa de família na ilha caribenha de St. Thomas, onde seus olhos foram subitamente expostos a esse elemento de cores tropicais, uma variedade de roxos, laranjas, azuis e verdes e tons de tirar o fôlego.

Vivacity englobava as cores mais intensas. Houve um movimento contínuo criado a partir dos ventos tropicais sobre esta bonita ilha. A paisagem tropical, com vistas de cores vívas e dramáticas, revigoravam o seu trabalho. Interpretou a forma humana, em constante movimento, inspirado pelos ventos alísios que fluiu durante essa ilha paradisíaca.
Dana tem treinado com muitos artistas conhecidos e instrutores. Estudou no Art Institute de San Miguel de Aellende no México. Um Verão em Espanha, praticamente vivendo dentro do Museu do Prado, ainda ampliou seus horizontes. Através de um programa de mestrado da New York University, passou dois semestres de verão em Veneza, Itália. Estudou com um instrutor na Universidade Estadual do Arizona, que lhe ensinou a ter determinação, tenacidade e dedicação.

Dana tem sido influenciada pelo trabalho de grandes mestres, Vincent Van Gogh, Modigliani, e Matisse. O seu formato evoluiu a partir destas composições desses mestres e seu amor para a sensualidade da linha e cor. A forma humana, explora a criativa sensualidade e o fluxo da própria linha e usa a cor para expressar a energia viva forte sexual encontrada na superfície da carne.

dimitri danish

Dmitri nasceu em Kharkiv, na Ucrânia, em 1966. Artista nato, anda com um lápis de desenho na mão antes de andar ou falar. Sua mãe, também artista, foi a primeira a descobrir o talento de Dmitri. Ela viu que ele expressava seus pensamentos, sentimentos e desejos através de suas criações. A pintura tornou-se tão natural para o Dimitri como respirar, comer ou dormir. Aos 5 anos, Dimitri estava tomando suas primeiras aulas de pintura profissional, e já era capaz de pintar paisagens com muita qualidade, retratos, naturezas mortas e pinturas abstratas. Aos 13 anos foi aceite numa escola para crianças sobredotadas de arte em Kharkiv, e aos 15 anos de idade foi registrado no Estado Kharkiv Art College (1982). O seu género mais preferido era paisagens. Pintou cidades que leu nos livros, as cidades que ele ouviu no rádio ou nas conversas das pessoas, e as cidades que viu impresso em selos. Ele criou novos países, em sua mente e pintou as suas cidades, ruas, canais, portas e janelas. Dimitri gostava portas e janelas, acima de tudo por causa de seu apelo simbólico. Elas permitem-lhe ver e entrar em mundos desconhecidos, que ele não podia entrar na realidade. Sua imaginação era capaz de levá-lo aos mundos mágicos e incomuns que via em seus sonhos. Na faculdade, Dimitri ficou fascinado com Kharkiv, a cidade onde ele nasceu e cresceu. Ele pintou vários edifícios, casas de madeira e paredes, pequenos cafés, grandes árvores antigas, e, novamente, as portas e janelas de sua cidade do sul. Suas pinturas de Kharkiv retratam um lugar acolhedor e confortável para viver.
Em 1986, Dimitri formou-se na faculdade e começou a ensinar a arte. Logo percebeu que a arte de ensino não era a sua carreira ideal - ele queria expressar-se através da arte, e não ensinar aos outros. Dimitri entrou no exército por três anos e tão logo que retornou, entrou imediatamente para o departamento de Belas Artes na Universidade Politécnica Estados Kharkiv. Ele começou a pintar para viver. Depois de dois anos, tornou-se membro de uma prestígiada associação de artistas ucranianos e suas pinturas estavam em grande demanda. Sua carreira de artista plástico está no auge e começou a expor na Ucrânia, Rússia e outros países do Leste Europeu.
Dimitri viajou muito pela Europa desde a abertura das fronteiras russas, visitando cidades e países que sonhava quando criança. Passou algum tempo em Roma, Veneza, Siena, e em muitas cidades da França, Holanda, Hungria, Áustria, Grécia e Turquia.

 

goli mahallati

Suas pinturas criam uma zona onde a realidade e o sonho, cor e forma são suspensas. São expressões poéticas que transcendem o objeto e tornam-se ícones de impressões sensoriais. A maioria das suas pinturas estão em perigo de cair no abismo da decoração, mas suas pinturas, enquanto a primeira aparição decorativa, logo evocam sensações inumeráveis que são, muitas vezes sobrecarregados de sofrimento e uma sensação de perda. Isto talvez devido ao fato de que o tratamento abstrato da forma não é livre de ligações objectivas.

Seus quadros transmitem uma sensação de relações subjetivas de um mundo, cujas faces da tragédia, a alegria, a insegurança e o amor se fundiram. A ambigüidade nas suas pinturas são zonas de sombra onde nós reconhecemos tanto do nosso mundo e em nós mesmos. Através de uma descrição simples e lacónica de um formulário que abre as portas em volumes de pensamentos e sensações.

Significativamente, suas pinturas mediam as tensões que são sintomáticas da arte contemporânea. A paleta de cores quentes e luminosas, as formas de conduzir a sensação misteriosa das energias unificadas muitas vezes em falta no pós-modernismo. Suas pinturas são menos sobre o pensamento e mais sobre as energias. 

  Goli Mahallati graduou-se com um Bacharelado da Universidade de Teerã, em 1977, e com o Masters de AIC (American International College), em Massachusetts, em 1979. Ela trabalhou durante vários anos estudando para seu Ph D em U Massa (Universidade de Massachusetts), até que ela finalmente se mudou para o sul da Califórnia, onde ela mora atualmente.

hessam abrisshami

Nascido na cidade de Shiraz, no Irão, em 1951, Hessam Abrishami era filho de pais de classe média e um dos oito irmãos e irmãs. Aos 15 anos, através da inspiração e incentivo de um professor de liceu, Hessam descobriu o amor de sua arte e seu talento para a pintura. Como resultado, tornou-se quase obcecado com a pintura. Hessam, aos 17 anos, competição estudantil em todo o país no Irão. Aos 19 anos, ele alcançou as honras do primeiro lugar no novo "concurso de artistas". Muitas outras honrarias nacionais e internacionais e os reconhecimentos se têm seguido desde então.

Passou a estudar na Itália - um lugar que ele considerava "o centro de arte na Europa." Foi em Perugia, Itália que Hessam estudou e completou o seu mestrado em Belas Artes na "Accademi De Belle Arti Pietro Vanucci. " Hessam emigrou para Los Angeles, Califórnia, onde continua a expandir a sua criatividade. Ele explora um universo que a imprensa francesa chamou de "uma declaração na fluidez de figuras humanas... Ele cria uma tensão entre cada figura, um parentesco de um lugar ou condição que provoca o espectador a procurar razões para tais relações." Grandemente influenciado por mestres modernos como Cézanne, Picasso, as pinturas corajosamente coloridas de Hessam estão repletas de amor e alegria, música e dança. Hessam Abrishami forneceu o mundo com imagens que capturam a essência do amor e romance.

wendy chazin

Wendy Chazin vive e trabalha em Nova York. Ela é graduada pela Boston University School of Fine e Artes Aplicadas, bem como a School of Visual Art, Nova Iorque. Estudou e pintou em Provence, França. Seu amor e fascínio com o sul da França, inspirou-a a desenvolver um estilo reminiscente de Matisse e dos artistas contemporâneos franceses que o seguiam.
Durante um de seus shows na França, um importante agente japonês convidou -a para participar nas "Nouvelles Editions Vision" (um grupo de famosos artistas franceses e japoneses), abrindo assim um mercado internacional nos anos 90.

fabien perez

Fabien Perez, nasceu em Buenos Aires, Argentina em 1967. Desde cedo, Fabien mostrou grande talento criativo. Influenciado pela arte da mãe e seu pai, foi exposto a um grupo de personagens que fizeram parte da vida nocturna local, rodeado de homens que viveram suas vidas ao redor de mulheres que, como ele próprio diz, poderiam seduzir um homem simplesmente num acender de um cigarro. A isso, junta-se um mundo de dançarinos de tango, guitarristas de flamenco e músicos ciganos, patentes nas pinturas de Fabiano, que são impressionantes representações da atmosfera de sensualidade e desejos proibidos sem nome. Viveu em Itália, onde se inspirou para escrever "Reflections of a Dream", livro editado mais tarde em Inglaterra. Viveu também no no Japão e Estados Unidos. O estilo de Fabien é único. Escolhe o acrílico por entender proporcionar-lhe maior rapidez de execução dos seus impulsos. Suas pinturas são autênticos mapas com trilhos que traçam imensos caminhos cujos olhares podem experimentar percursos.  "Durante trinta anos viajei numa estrada de areia, tendo deixando coisas para trás, e perdido muitas outras. Nessas vigens, posso avistar um caminho, que me vai levar a muitas novas experiências. "  in Reflections of a Dream.

irene sheri

Irene Sheri nasceu em Belgorod-Dnestrovsky, Ucrânia, em 1968. Suas variadas influências fazem dela um dos mais brilhantes exemplos de uma nova geração de artistas inter-culturalistas emergentes de uma “Europa sem fronteiras”. Descendente de búlgaros e franceses, ela cresceu na ucraniana Odessa, onde culturas se misturam livremente, transformando-a em uma das cidades mais coloridas, brilhantes e multinacionais do mundo. Irene sabia que seria uma artista desde a sua infãncia. Após alguns anos de treino artístico, graduou-se pela prestigiosa Academia de Arte de S. Petersburgo. Ela renovou a escola, fundada no século XVIII e influenciou muitos mestres como K. Briuollov, A. Ivanov, I. Repine, V. Sounikov entre outros. Irene inspirou-se no trabalho de Boticelli, Chagall, Kandinsky, Picasso e Goya. Entretanto, Cézanne e Matisse produziram o maior impacto. Expoentes da Vanguarda Russa, como Falk, Konchalovsky, Mashkov e Lentulov, foram seguidores desses artistas franceses. Chamados de “Valetes de Ouros”, esse nome, proposto por Larionov, sugeria não somente o comportamento “roguish” da Vanguarda, mas incluía o amor por formas populares de artes gráficas, como antigos baralhos de jogar impressos.